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2023年6月16日晚19:00点，「陈平 ：十年」个展在苏州湾BFM艺术中心正式拉开序幕。开幕式由禅绣美学艺术家唐一均先生主持，由原苏州工艺美术职业技术学院副院长、原苏州美术家协会副主席黄海先生，苏州工艺美术职业技术学院美术学院院长、苏州颜文樑教育思想研究会副会长周清先生，原雨村美术馆馆长、著名策展人王晓东先生，书画鉴定家、收藏家王福先生，艺术家代表王旭斌先生，BFM艺术中心创始人、本次展览策展人Avy杨娅薇女士以及本次展览艺术家陈平分别上台致辞，宣布展览正式开幕！

禅绣美学艺术家唐一均先生

原苏州工艺美术职业技术学院副院长、原苏州美术家协会副主席黄海先生

苏州工艺美术职业技术学院美术学院院长、苏州颜文樑教育思想研究会副会长周清先生

原雨村美术馆馆长、著名策展人王晓东先生

书画鉴定家、收藏家王福先生

艺术家代表王旭斌先生

BFM艺术中心创始人、策展人Avy杨娅薇女士

艺术家陈平先生

本次展览展览展出了艺术家陈平过去十年创作的石头记、日常生活的启蒙、植物志、设计课四个标志性系列的代表作品，呈现作为苏州先锋艺术家代表的陈平的一个阶段性研究、思考和面貌。

石头记

Story of Stone

将石头置于自己的视野内，是那段离开苏州在北京大学旁听哲学的时间，正因为孤身游学在外，深夜独处时，过去疏忽了的往往易于在脑海中浮现，那些被漠视的太湖石也即作为一种符号象征而成了我关注的对象，并不断地放大，加以定格（这是独处的好处）。

在对太湖石的表现，自己摒除对光线、对结构、对笔墨、对细节的兴趣，而专注于一种“有意味的形式”的诉求。以自己的方式，运用地域文化符号和异于传统的语言来寻求一种实施表现元素提炼的可能性。而对这种“有意味的形式”的诉求，并不刻意去追求崭新的素材，它来自看似平凡的日常生活，由自己的过去、记忆构成。

有人以为它是抽象的，如果它是抽象的，那也可以说我在以我的一种“抽象”的方式表达我对外部世界的观察，这是来自作为个体的我对现实一种真实性的观察。

有时候，情绪或者心境会影响自个对外物的观看，此刻，被观看的对象投射在内心中也即有了自己的影子——有时会被忧郁包围，有时会被喜悦包围。在观看石头时，进而引用于自己的绘画中，这需要对石头加以纯度的提炼，让图像尽量对石头进行简练，这种简练的目的，是在于增强一种可读性，同时也是一种纯粹精神上的追求。这种提炼，并非是一挥而就的，是一而二，二而三，反复推求了去，实验，寻求。

害怕搁于一种既成的模式，下意识里自己总会处于某种逃离的状态，从来都是有意让自己的绘画语言一直处于形成的过程中，不求完美，总有欠缺。其实这也不过是为了努力去印证记忆里的某些事情，修正或弥补其中的某些偏差，乃至于欠缺，在我是在享受这一努力印证过程，体验这一努力印证过程，甚至痴迷于一努力印证过程，这印证的过程有时也会触及到材料媒介与形式语言上的实验，而这些在一种程度上来说，是我生活的复制。逐渐将自己从对视觉张力的追求中解脱出来，去寻求一种肃穆的“静”，石头的幽冷，附着的一种隔离感，那是顽石所固有的特质。

艺术之于我即是自我修持的方式，这会让我能得以逃离日常生活的琐碎，在这样的时光中宁静，并获得想象的时刻，通过它去作某种探求，以理解这个世界。

I placed the stone in my own vision in the period when I left Suzhou to audit the philosophy course at Peking University. As I was studying outside alone, I often thought of the past things neglected at night. Those disregarded Taihu Stone turned into a kind of symbol and came into my eyes. As a result, they kept enlarging and freeze at certain point (which is how I benefited from staying alone)。

In order to express the Taihu Stone, I discarded my interest in light, structure, pen and ink, and details; instead, I focused on a kind of appeal in a "meaningful form". I sought a kind of possibility implemented to express the elements refinement by making use of symbols of local culture and the language different from the tradition in my own way. Moreover, for such appeal in the "meaningful form", I did not bother to pursue the new materials. It came from the seemingly ordinary daily life, and consists of its own past and memories.

Some people think it is abstract, and if it is abstract, it can be said that I was expressing my observation of the outside world in my own "abstract" way, which is a kind of realistic observation of the reality as the individual myself.

Sometimes the mood or state of mind will affect my view of the foreign objects. At the moment, when the objects to be viewed are projected into the inner heart, they will have their own shadows - sometimes they will be surrounded by melancholy, and sometimes enjoyment. When viewing the stones, I will introduce them into my own painting, which requires the purity refinement of the stones, so that the image can make the stones as concise as possible. The purpose of such conciseness is to enhance a kid of readability, and it is also a pure spiritual pursuit. Such refinement cannot be achieved instantly at a stroke, but sought and experimented after trials and errors.

As I am afraid to set myself in a ready mode, subconsciously I will always be in some kind of escaping state, and I have always been intentionally setting my own painting language in the process of formation, without seeking for perfection but always missing something. In fact, this is nothing but an attempt to prove certain things in the memory, to correct or compensate for some of the variations and even deficiency of them. From my point of view, I am enjoying, experiencing and even getting obsessed with such process of proofing with endeavor. Sometimes the proofing process will be involved in the material media and the experiment on the formal language; while these in an extent, is copy of my life. Gradually I set myself free from the pursuit of visual tension, and start to seek a kind of solemn "quietness". The stern and cold character of stone is attached with a kind of sense of isolation, which is the inherent nature of stone.

Art to me is the way of self-cultivation and practice, which enables me to escape from the trifles in everyday life. It is in such a quiet moment to obtain the imagination that I could seek for something and thus to understand the world.

日常生活的启蒙

Enlightenment from Daily life

如何能使艺术创造成为实现的可能，对我来说是尽可能在现实的世界中去寻找，而不是依靠想象，努力去探求自然世界本身的某种存在，一种“人”与“物”的关系存在，并将此呈现出来。通过集中关注一个研究的对象，试着实验究竟该如何使之成为艺术，同时思考一个对象为什么能成为艺术？

这样，艺术关注的就已不再仅仅是“审美”，而是转向对整个日常生活的关注，触及的领域逐渐渗透到了社会学、心理学、艺术学等诸多领域，将“学科意义”也纳入关注的对象了。

日常生活中的“物”一旦等同于艺术家的艺术作品，艺术开始接近日常生活中的“物”，两者已是平视。物质时代里，人的存在必须借助“物”的存在来证实，“我消费故我在”。而此刻“物”作为人类的存在象征，不仅与现实世界相关，也使得艺术与日常生活相互交融，而不是对抗，艺术不再是“高、大、上”，而是在整个生活情景中一直与我们同在。

As for the question of how to make artistic creations become the possibility to realize, from my point of view, it is to search in the real world as possible rather than to try to explore the certain existence in the natural world itself by relying on the imagination. It is a kind of relationship existence between “people” and “objects”, and it is thus presented. By focusing on one object for study, and try to make experiment as how to exactly make it artistic, and ponder how an object can become art at the same time?

In this way, what art is concerned is no longer merely about “aesthetic appreciation”; instead, it is turned to focus on the entire everyday life, and the fields touched are gradually penetrated into multiple fields of sociology, psychology, art, etc. In addition, the “disciplinary significance” is also included the object of concern.

Once the “objects” in everyday life is equivalent to the work of art by artists, then art begins to approach the “objects” in everyday life, and both of which are even and parallel. In the materialistic era, the existence of human must be proved by virtue of the existence of “objects”, namely, “I consume, therefore I am.” While the “objects” as a symbol of human existence, is not only related to the real world, but also makes art and daily life blend with each other, rather than confrontation. Art is no longer “high-end, marvelous, and noble”; instead, it has always been with us throughout the whole life scenario.

 植物志 

 Flora 

此项目是个人已进行多年的艺术计划，计划的开启即是受到歌德植物研究所启发，在研究过程中得其“歌德观察法”帮助而进行的。使用科学的方法论，进行对自然世界的探索，借助艺术的维度以尝试思考“人”与“自然”的关系，诸如气候、土壤环境的变化，人类因发展而丢失的整体性等问题。同时试图将对问题的思考以及一些必要的讨论带入工作室，以引入对问题的关注，消除“人”与“自然”的沟壑，消除“人”是地球中心的观念，或者能进而得以融合人类与外部自然环境之间的关系，以维持人类与自然的互惠共处。我的室外田野工作——即是采取在生活工作的社区空间中收集“自然状态”下的植物，伴以随之而来的相遇和对话——在时间的维度里，不断地探索生长，衰败与记忆，以模糊工作室的艺术实践与生活，教学工作与研究的界限。

研究的重点是植物，这些植物往往是从人口聚集的地区或人类活动频繁的社区中获得。这些物种生活在人类社会的景观意愿下，是为人的“诗意的栖居”而存在，“自然”是人的“自然”，是作为改善因对发展的过度追求而破坏了传统生态体系的地区而存在。生活在这些空间中的植物，其“自然状态”是被园丁者倾注了人类的意图，借助器具和化学药物，以“规范”一种“自然”的生命形式，来决定它们的生长。在社区中，因为人口的流动，这样的“自然”亦是在外来植物物种与本地植物物种相互妥协的进程中保持着平衡，并且将一直持续下去。

当我们陶醉于“大自然”中，从某种意义上说，风景从来都不再是“原始的”。在人类将森林公园定义为自然景观之前，人类对自然的影响就从来没有停止过。原住民以介入的方式塑造了现代人所理解的荒野，而这种冲突的遗留力仍在大自然中继续发挥其作用。因此，尽可能地以研究的方式介入对我来说很有意义——我认为它更多是社区居民、植物、文化、传统信仰以及整个生态环境体系的相互连续体或各类其他问题的呈现，没有绝对性，有着的只是许多不同的交叉的思维点在探索实践中聚集出现。

基于自身的生活感受，“植物志”着力于建构一个自我的“失乐园”，在这儿，个人的艺术实践、日常生活因为“独处”得以无差别地交融在一起，“植物志”透过其中的日常体验，通过对真实的再置换，以在事件中的事实与表象之间实现一种分离，去重新寻求艺术的另一些可能！尝试着如何将植物这一关注对象转化成为一种艺术的媒介，以促成不同意念、不同物质形态、不同时空维度的相互融合——“植物志”是一个不断生发的过程，它的呈现形态是与每一位与之相遇的人共同塑造的结果。

“植物志”也是在课堂上组织学生作为一个教学课题共同进行的艺术研究项目。作为一个艺术院校的教育者，同时亦是一位艺术创作的实践者。是故，我试图在实践的过程中，从两个方面去探讨与研究“艺术”与“植物”之间的一些可能性。这两个方面：一即自我进行的艺术研究计划；二即将这一艺术研究计划在同一时间里组织学生在课堂上作为一个教学课题来进行。

在教学的组织上，因学生经历、见解、喜好、文化背景等诸多方面的差异，尽量结合学生的年龄特征来进行，故而在对植物对象的理解与要求更为广泛。对于教学课题的组织，以“探索性”和“实验性”为基础，在跨学科中引导学生，使他们陷入陌生的境地，以促进他们对外在世界的更为广泛性的体验，并为意外的创造提供原动力。作为学生必须利用田野考察与外界进行互动，以获取媒介、材料并进行艺术实践。自然中包含着许多隐藏的信息，我们只需要学会观察就可以发现它们，要求学生在面对“植物”时，不要在“植物”与自己之间设置其他的已知东西，注重观察才为重要！强化课程引导的不是绘画训练，而是在作一种对“植物”的研究与探索，包括生物学、植物学、生态学、心理学、社会学、药理学方面的……，只是借助图像来帮助自己进行研究记录。在过程中借助这种研究来完成课程造型、色彩、材料方面的训练，至此，教与学相互间的启发也更具意义！

将植物视为拥有自我主观意识的生物，人与植物的等同的理解心与情感。借助艺术的意象，将人与天地万物融合为一体，试着在相互间构成交流。

Based on my own life experience, "flora" focuses on building a self "paradise of loss". Here, individual art practice and daily life can be mixed together without difference because of "solitude". "flora", through the daily experience, can realize a separation between the facts and appearances in the event by re replacing the truth, to re seek other possibilities of art.

 

设计课 

Design Lesson 

曾在服装系，教基础课达十八年之久。当时服装系有一个“中法中心”，这是法国国家教育部跟中国的教育合作项目，他们有一个叫“主题教学法”的教育方法，也就是“项目教学法”。“主题教学法”倡导的服装设计的工作方式、思维方式，其中设计中对材料的敏感，以及不懈的实验，对自己的艺术创作，以及个人的其他许多事情影响而启发都很大的。

对于“方法论”的关注，以及持续的加以研究，使得自己对艺术创作之“灵感”观，产生怀疑。“艺术的丰富含义”是在研究的过程衍生出来的，但并非是刻意追求的，这种意义才是真实，自然的，更富内涵的。

随着研究的深入，慢慢地你可以抛开材料对你的约束与局限，可以去尝试通过对材料的实验来体现你的思考，因为不同的材料在形式上即有着不同的意味。它表现形式的丰富多元，以及对材料的无限运用，对自己有无限的启示。

抛开一切以前固有的概念，只是直观地、真实地记录自己所观察、看到的一切。自己并非在绘画创作，而是在研究对象，以记录的方式将对外在的观察得以显现，力求真实，内心的真实！

艺术的自我表现是通过在物质材料中留下自我认知的过程来完成的。当随着研究的进展，这种自我表现会与视觉技巧，想象中的印象相结合，最终衍生出真正具有活力的艺术作品。

The theme-based teaching method advocates for the working and thinking methods of clothing design, in which the sensitivity to materials and unremitting experimentation in design have a great impact and inspiration on one's own artistic creation and many other personal matters.

Setting aside all previous inherent concepts, simply intuitively and truthfully recording everything one observes and sees. I am not in the process of painting creation, but in the process of studying the object, revealing my external observations through recording, striving for authenticity and inner truth.

展览现场

本次展览将持续到2023年7月23日，欢迎大家预约观展啦！

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从2014年到2023年，从石头记的介质和形式探索、到日常生活的启蒙的沉淀思考、到植物志的系统化研究、到如今抛却一切外在形式仅凭一瞬意念随手而成的设计课，陈平的十年， 在其以“方法论”为框架的创作和实践下，完整的呈现了一个真正的艺术家的状态 ：有思想 有风格 有面貌 持续 专注 坚持。

如果说北大访问学者经历和维也纳驻地经历打开了他的视界，在工艺美院的教学经历为他提供了创作土壤，那么苏州当代艺术的地域性特征则是陈平作品开创性先锋性的推手。从他长长的参展和策展经历中我们可以感受到，他对艺术的一种无法抑制的激情和一种无意识引领的使命感。而正是这种自发的激情和使命感，赋予了他大艺术家的气质。

「陈平 : 十年」, 有幸遇见～

From 2014 to 2023, from the exploration of the medium and form by “Story of Stone”, to the thinking by “ Enlightenment from Daily life”, to the systematic study by “Flora”,  to now  the “Design Lesson” that are based on the instantaneous idea abandoning all external forms, Chen Ping's ten years of creation and practice with the framework of "methodology",  complete presentation of a true artist's state: thinking, style, appearance, continuity, focus and persistence.

If the visiting scholar experience at Peking University and the resident experience in Vienna opened his horizons, and his teaching experience at the Arts and Crafts Institute provided him with creative soil, then the regional characteristics of contemporary art in Suzhou are the driving force behind Chen Ping's pioneering and avant-garde works. From his long exhibition and curation experience, we can feel his uncontrollable passion for art and an unconscious sense of mission. And it is precisely this spontaneous passion and sense of mission that endows him with the temperament of a great artist.

「Chen Ping Decade」, my honor to witness～

策展人 杨娅薇

Curator Avy Yang